Ich bin hier! 

Fondazione Mudima Milano

2016

All’origine del processo espressivo che ha dato configurazione ai fotogrammi di Andrea Sartori qui pubblicati sta la pagina web rispondente al tema iconografico dell’autoritratto; circa duecentocinquanta studenti, potenziali artisti delle diverse grammatiche visive, raccolti ordinatamente nell’Aula Teatro di Brera, si trovarono per alcuni lunghi minuti di fronte al ribaltamento della loro immagine nella popolazione artistica, anch’essa ordinata della schermata proiettata da Google. 

Al singolo volto del giovane ed al loro stare raccolti insieme per regolari file di sedie rispondeva uno ‘squadrone’ compatto che ha fatto la Storia dell’Arte, un sistema di ‘fototessere dipinte’ che hanno animato la storia del fare dell’arte, con le sue emozioni e i suoi drammi, tra sviluppi entusiastici e solitudini sconsolate, tra l’indipendenza autobiografica del Maestro e l’anonimato di un esercito di artisti rimasti nell’ombra.

All’indefinita sensibilità di un giovane rispondeva l’autorità di un volto noto, alla creatività che si deve ancora esprimere si opponeva chi la propria storia l’ha detta, allo stare nel presente rifletteva una storia che, abbandonando la cronologia, si riportava alla contemporaneità attraverso l’atto rigenerante della fruizione sensibile. Volti che guardano altri volti, occhi che si scrutano e si interrogano nel silenzio irreale della grande aula. 

All’inizio la maggior parte delle persone presenti era forse sbalordita da questo prolungato momento di ribaltamento e confronto con coloro che erano sempre percepiti come una realtà lontana, appartenente a una storia che era ridotta come manuale; improvvisamente si ritrovarono obbligati, secondo la loro sensibilità personale, a “guardarsi negli occhi”, ad ascoltare voci impercettibili e anche a usarle. In quel momento non si trattava di parlare, di opere, di stili o di viaggiare nei pezzi della storia, ma di creare le condizioni in modo che le due “squadre” fossero costrette a un confronto diretto, costrette a incontrarsi sulla stessa strada.

Nell’oscurità della stanza, ho cliccato sistematicamente sull’autoritratto individuale imitando la chiamata, passando dal collettivo all’individuo, in modo che ogni studente sentisse per un po ‘una relazione con il nome e lo sguardo, l’età e la posa, l’intenzione e la volontà, al fine di far maturare il messaggio di pensiero con la lista infinita di colleghi di ogni stagione e diverse geografie.

Quella che doveva essere la prima lezione del nuovo Corso di Storia dell’Arte Contemporanea, si era trasformata in un ‘corto circuito’ in cui gli sguardi producevano la babele linguistica del colore e del disegno, le materie e le esperienze umane, le battaglie e le umiliazioni, i successi e la disperazione. 

Eugene Delacoix con la loro testimonianza e l’appello:” …Giovane artista,cerchi un soggetto?Tutto è soggetto,il soggetto sei tu; lo sono le tue impressioni, le tue emozioni di fronte alla  natura. E’ in te stesso che devi guardare, non al di fuori di te”. Eugene Delacoix

Speravo che questo approccio, liberando la didattica dalle certezze troppo sicure della scienza storica, consentisse ai giovani di porre domande, cercare risposte, trovare suggerimenti, ascoltare i pensieri e perseguire idee; così in quelle due ore trascorse in un dialogo intenso e muto, sono stato in grado di inseguire la curiosità e la partecipazione, come una vera forma di apprendimento per un giovane artista, ma anche di stimolare e forse raggiungere l’autostima attraverso il confronto, andando avanti all’affermazione della creatività e alla crescita del talento che era in ognuno di loro.

L’intera ‘classe’ era decisamente sbalordita ma costantemente concentrata, costretta a rimanere ferma in una relazione reciproca fatta di sguardi; sostanzialmente non ci sono stati interventi e non li ho sollecitati, ma solo una forma di concentrazione personale sulla cui profondità di valore ho potuto costruire alcuni sviluppi espressivi che li avrebbero portati a dichiarare la loro presenza con le opere e le immagini: “Ich bin hier “.

È nato un percorso, quello correlato al progetto “Living Art – The Art of living” e che ha trovato nel concetto di autoritratto quell’immagine collettiva da cui siamo partiti. Un’immagine in cui, dopo sei mesi di lavoro esperienziale, si sono riconosciuti. 

Ho sostituito l’idea iniziale di autoritratto, forse troppo autoreferenziale, con il titolo “Ich bin hier”, in riferimento a una Esposizione prodotta dallo Staatliche Kunsthalle di Karlsruhe; nella traduzione ‘Io ci sono’ ho visto riassunto perfettamente l’indicazione testamentaria di Delacroix, la scelta di molti autori di essere effettivamente presenti, anche attraverso se stessi, la propria condizione critica e provocatoria; volevo chiedere ai giovani studenti di essere presenti come giovani artisti, di essere testimoni attivi, di essere segnalatori e propagatori autentici di messaggi e di opere, come “il vero barometro storico profondamente inquieto rappresentato da Pollock”, scritto nel ’56 Francesco Arcangeli. La continuazione del Corso e delle lezioni non era distante da questo clima, concentrandosi più sui “sentimenti” che sulle nozioni, più sull’esperienza che sulle notizie, più sulle dinamiche che su regole stabilite; ogni studente-artista ha disegnato il suo diario visivo scoprendo se stesso (o se stessa) come OPERA.

Ich bin hier!

The origin of the expressive process that has given configuration to Andrea Sartori’s frames (which are published here) is the web page based on the iconographic theme of the self; about two hundreds fifty potential artists of different visual grammars, collected neatly in the Brera Teatro Hall, found themselves for some long minutes in front of the reversal of their image in a sort of artistic population, correlated itself to the screen projected by Google.

On the one side the single faces of those young people sitting together on regular rows, on the other one a compact ‘squadron’ that made the History of Art, a system of ‘painted passport photos’ that animated the history of the making of art, with its emotions and its dramas, between enthusiastic developments and a disconsolate feeling of loneliness, between the autobiographical independence of the Master and the anonymity of an army of artists remained in the shadows.  

On the on side the indefinite sensitivity of a young man, on the other one the authority of a familiar face, the creativity that has yet to develop opposed to somebody who had already told his own story, to stay in the present was reflected into a history that, abandoning the chronology, was becoming contemporary through the regenerating act of a sensitive use of art. Faces that look more faces, eyes that stare and wonder in the unreal silence of the great Hall.

At the beginning the most part of people who were present was perhaps stunned about this prolonged moment of tipping and confrontation with those who were always perceived as a distant reality, belonging to a history which was reduced as manual; suddenly they found themselves obliged, according to their personal sensitivity, to ‘look themselves into the eyes’, to listen to imperceptible voices and to use them, too. In that moment it was not matter of speaking, of works, of styles or of travelling the pieces of history, but to create the conditions so that the two ‘squads’ were forced to a direct confrontation, forced to meet on the same road.
In the darkness of the room, I clicked systematically on the individual self portrait mimicking the call, passing from the collective to the individual, so that each student felt for a while a relationship with the name and the gaze, age and pose, the intention and the will, in order to let the message of thought mature with the infinite list of colleagues of each season and different geographies.

What was to be the first lesson of the new course of Contemporary Art History turned into a ‘short circuit’ in which the looks produced a babel language made of color and design, materials and human experiences, battles and humiliations , success and despair.

Soon we read the Eugene Delacoix’s ‘artistic letters’ with their witness and the appeal: ” … Young artist, are you looking for a subject? Everything is subject, the subject is you; I am your impressions, your feelings in front of nature. You have to look in yourself, not outside of you.”  I hoped that this approach, making the didactics free from the overconfident certainties of historical science, would allow the youth asking questions, seeking answers, findinf suggestions, listening to the thoughts and pursuing ideas; so in those two hours I spent in an intense and dumb dialogue, I was able to chase the curiosity and participation as a real form of learning for a young artist, but also to stimulate and perhaps to reach self-esteem through comparison, moving on to affirmation of creativity and growth of talent that was in everyone of them.  

The whole classroom was definitely stunned but steadily concentrated, forced to stand still in a mutual relationship made of gazes; basically there was no interventions and I didn’t urge them, but only a form of personal concentration on whose depth of value I could build some expressive developments that would take them to declare their presence with the works and the images: “Ich bin hier”.

A path was born, the one that was correlated to the project ‘Living Art – The Art of living’ and that found in the concept of portrait-self-portrait that collective image where we started from. An image in which, after six months of experiential work, they recognized themselves. I replaced the initial idea of self-portrait, perhaps too self-referential, with the title “Ich bin hier”, in reference to a show produced by the Staatliche Kunsthalle in Karlsruhe; in the translation ‘I am here’ I saw perfectly summed up the testamentary indication of Delacroix, the choice of many authors to be actually present, even through their own self, their own critical and provocative condition; I wanted to demand from young students to be present as young-artists, to be active witnesses, to be signalers and propagators of authentic messages and works, as was ” the true, deeply restless historical barometer represented by Pollock”, wrote in ’56 Francesco Arcangeli .The continuation of the course and the lessons was not distant from this climate, focusing more on the ‘feelings’ than on the notions, more on the experience than on the news, more on the dynamics than on established rules; each student-artist drew his visual-diary discovering himself (or herself) as WORK.

Ich bin hier!

Zur Ursprung des ausdrucks Prozess, der den hier veröffentlichten Fotografien von Andrea Sartori eine Konfiguration gegeben hat, befindet sich die Webseitedie die mit das ikonographische Thema “Selbstportät” verbunden ist. Ungefähr zweihundert Studenten, die potenzielle Künstler sein könnten, wurden ordentlich in die Theater Aula von Brera versammelt und fanden sich plötzlich für einige Minuten mit ihr eigenes verkehrtes Bild konfrontiert, genau so wie den von Google projizierten Bildschirm. Es entstand somit ein System aus gemalten passfotografien, die die Geschichte der Kunst wiederbelebt haben, mittels Gefühle und Dramen, zwischen beigesterte Entwicklungen und untröstliche Einsamkeit, zwischen autobiographische Selstständigkeit des Meisters und eine anonyme Armee von Studenten die im Schatten geblieben ist. Einer undefinierte Sensibilität eines Jungen entsprach die Autorität eines neuen Gesichts. Durch die sensible Bemerkung entstand ein wiederbelebendes Akt der Gegenwart. Gesichter die andere Gesichter anschauten, Augen die sich anstarrten und sich nach etwas gefragt haben, in der unheimliche Stille des grossen Theatersalls. Die Mehrheit der Anwesenden war vielleicht am Anfang sprachlos und verwirrt, in diesem verlängerten Moment des Umkippens und des Vergleichs, mit diejenigen, die immer nur als ferne Realität wahrgenommen wurden und die zu einer reduzierte Geschichte gehörten. Die Studierenden waren plötzlich gezwungen, wegen einer persönlichen Empfindlichkeit, sich in die Augen zu schauen, unwahrnehmbare Stimmen zu hören und auszusprechen; zu der Zeit ging es nicht darum um Werke und Stile zu sprechen und auch nicht durch Teile der Geschichte zu reisen, sondern die Bedingungen zu schaffen, damit die beiden Seiten sich direkt Konfrontieren konnten. In der Dunkelheit des Raumes, klickte ich systematisch auf jedes Individuum als würde ich den Appell nachahmen: vom Kollektiven zum Einzelnen. Somit konnte jeder Student eine Zeit lang einen Verhältnis mit dem Namen und dem Aussehen erleben, mit dem Alter und die Pose, mit der Absicht und der Wille. Damit jeder, mit der unendliche Liste von Kollegen der jeweiligen Jahreszeiten und verschiedener Herkunft, die Botschaft des Denkens reifen würde. Was die erste Lektion eines neuen Kurses der zeitgenössischen Kunstgeschichte sein sollte, hatte sich in einen Kurzschluss verdreht, wo die Blicke, eine sprachlichen Verwirrung von Farbe und Design, die Themen und die menschliche Erfahrungen, Kämpfe und Demütigungen, Erfolge und Verzweiflungen produziert haben.

Bald wären die “Briefe der Kunst” gekommen, mit einer Beweislast und einen Appell von Eugene Delacroix: “junger Künstler, bist du auf der Suche nach einem Subjekt? Alles ist das Subjekt, das Subjekt bist du; es sind deine Eindrücke, dein Gefühle vor der Natur. Du musst in dir selbst suchen, nicht ausserhalb von dir”. Indem ich die Lehre aus anmassend Gewissheiten der Geschichtswissenschaft zu befreien versuchte, hoffte ich dass die junge Studenten die Möglichkeit erhielten, Fragen zu stellen, Antworten zu suchen, Vorschläge zu finden, sich Gedanken zu Machen und Ideen zu verfolgen.

In diese zwei Stunden, die ich in einem intensive aber stummen Dialog verbrach, war ich in der Lage die Neugier und die Teilnahme al seine echte Form des Lernens zu schätzen.

Somit konnte ich jeder Student stimulieren und die Kreativität und das Talent, was in jedem von ihnen war, herauszunehmen.

Die ganze Klasse war auf jeden Fall erstaunt, aber stätig konzentriert, immer noch in eine gegenseitige Beziehung von Blicken gezwungen; im Grunde gab es keine Anregungen und ich hatte nicht danach gefragt, sie waren alle konzentriert und ich wusste, sie würden bald in der Lage sein, ihre Präsenz mit den Werken und Bildern zum Ausdruck bringen und zu erklären: “ich bin hier!”. Es entstand eine Pfad, die das Projekt “Von Kunst leben- Die Kunst des Lebens” zu erfüllen hatte, und dass war das Konzept des Porträt –Selbstporträt womit wir angefangen haben und indem sich die Studenten, nach einer sechsmonatige Arbeit, wiedererkennt haben. Ich ersetzte die ursprüngliche Idee von Selbstporträt, die vielleicht zu selbstbezogen schien, mit dem Titel “Ich bin hier!” im Bezug auf eine Ausstellung die in der Staatliche Kunsthalle in Karlsruhe zu sehen war. In der Betitelung “Ich bin hier!” sah ich die testamentarische Angabe von Delacroix perfekt aufsummiert. Die Wahl, viele junge Autoren vorzustellen, bestand darin dass jeder die Möglichkeit hatte, sich mittels autentische Werke, als aktive Zeuge und als Verbreiter von Botschaften zu zeigen sowie es Pollock war, der von Francesco Arcangeli im Jahr 1956 als “wahrer, unruhiger Barometer der Geschichte” definiert wurde. Der Rest des Kurses und die folgenden Unterrichte lösten sich nicht von diesem Klima ab: die Erfahrungen, die Gefühle waren mehr als nur Begriffe und Regeln. Jeder Student-Künstler konnte sein visueller Tagebuch ausarbeiten der zum Schluss sich als WERK enthüllte.