ARTFORUM 2020

La lezione al rientro dalla pausa natalizia si concentra sull’approccio e l’analisi di una nota rivista statunitense di arte contemporanea : “ Artforum ”. 

从圣诞节假期回来后的课程重点是研究知名美国杂志“ Artforum”对当代艺术的处理方法和分析

Artforum si delinea nel panorama della comunicazione artistica come una delle maggiori riviste, attiva dal 1962, che, collaborando con artisti, critici ed esperti d’arte, contribuisce alla divulgazione dell’arte contemporanea. 

自1962年以来，Artforum在艺术传播的全景中被概述为主要杂志之一，与艺术家，评论家和艺术专家合作，为传播当代艺术做出了贡献。

E’ possibile consultare la rivista anche online, visitando il sito https://www.artforum.com/

“Artforum” verrà usata in questa lezione come mezzo per trarre spunti e riflessioni circa l’arte contemporanea. 

您也可以通过访问https://www.artforum.com/在线查阅该杂志。

在本课程中，将使用“ Artforum”作为对当代艺术的启发和反思方式

In primo luogo, sfogliando la rivista, si nota un’incisiva presenza di inserti pubblicitari di musei, galleria e collezionisti privati – contenuti tanto importanti e interessanti quanto il testo vero e proprio.

首先，浏览该杂志，您会发现博物馆，画廊和私人收藏家中广告插入很有特色，而内容与实际文字一样重要和有趣。

In secondo luogo, è interessante notare come, in questa fase dell’arte contemporanea, sia difficile identificare una “linee di tendenza” esclusiva; una netta differenza rispetto del secolo scorso quando le riviste tendevano a privilegiare una tendenza, oppure una ‘scuola’ e perfino delle aree geografico-culturali. La mancanza di filoni esclusivi in cui l’arte contemporanea si sviluppa è senz’altro fonte diversità che arricchisce il panorama culturale e artistico di immagini, autori e gallerie diverse tra loro.

其次，有趣的是，在当代艺术的这一阶段，我们很难确定出一条专属的“趋势线”。 与上世纪杂志青睐潮流不同，也与那个热衷“学院”与区域地理文化的世纪形成了明显的差异。 毫无疑问，当代艺术发展所不具有的排他性是多样性的源泉，它通过不一样的图像，艺术家和画廊丰富了文化和艺术全景。

Sfogliando la rivista ci soffermiamo su alcuni artisti,  ritenuti particolarmente interessanti. Didatticamente ogni studente potrebbe diversamente soffermarsi su quelle comunicazioni visive che più colpiscono la propria sensibilità per andare ad approfondire ulteriormente l’autore e i contenuti del suo lavoro; questa operazione fornisce nel tempo allo studente un crescente vocabolario di conoscenze sull’attualità, mettendo alla prova le proprie competenze espressive. 

翻阅杂志，我们关注一些特别有趣的艺术家。 从教学上讲，每个学生可以以不同的方式关注那些对他们的敏感性影响最大的视觉传达方式，以便进一步探究作者及其作品的内容。 随着时间的流逝，这种方法将为学生提供越来越多的当前知识词汇，以测试他们的表达能力。

BEVERLY BUCHANAN (1940 –  2015)

Beverly Buchanan è un’artista statunitense, di origine afroamericana, dedita, in campo artistico, alla rilettura delle comunità di appartenenza, concentrando la propria attenzione sulla precarietà abitativa nei ghetti e nelle periferie. Tale processo creativo avviene con materiali semplici e poveri (principalmente pezzi di legno, bastoni, … ), su cui spesso interviene anche con una colorazione estremamente vivace; si avverte un approccio espressivo molto vicini all’ Art Brut.

贝弗利·布坎南（Beverly Buchanan）是一位非裔美国艺术家，在艺术领域致力于重新诠释她所属的社区，并将注意力集中在贫民窟和郊区的危房上。 这种创造性的过程是用简单而劣质的材料（主要是木头，木棍等）进行的，通常在其上还用以极其生动的色彩。 有一种非常接近非正统艺术（Art Brut）的表达方式。

Il nome della Buchanan sta acquisendo ultimamente molta risonanza : dopo la forte presenza dell’arte afroamericana nelle ultime Biennali di Venezia, il Moma ha deciso di rimodernare i propri spazi e le proprie collezioni, introducendo la stessa Beverly Buchanan tra le sue sale. L’arte di Beverly Buchanan rappresenta una cultura materiale povera, propria del suo retroterra culturale, unita ad una forte componente policroma, ricchezza altrettanto individuabile nel patrimonio africane. 

布坎南（Buchanan）的名字近来引起了很多共鸣：在上一届威尼斯双年展上非裔美国人艺术的盛行之后，Moma决定对其空间和收藏进行现代化改造，在其空间中陈列比佛利·布坎南（Beverly Buchanan）。他的艺术代表着一种物质匮乏文化，这是她文化背景中的典型特征，再结合强烈的色彩成分，这些色彩同样在非洲传统里具有可识别性。

Nel riprodurre piccole case ed edifici, è forte l’attenzione al recupero di materiali e alla riunificazione dei diversi frammenti; questo processo espressivo conferma la centralità del collage nella nascita dell’arte moderna, suggerita in particolare da Picasso negli anni 1913/1915 con la Collezione dedicata alle “Chitarre”. 

在重建这些小房屋和建筑物时，艺术家注意到了材料的回收和不同碎片的统一； 这种表现的过程证实了拼贴在现代艺术诞生中的重要性，尤其是毕加索在1913/1915年提出的专门针对“Chitarre”的作品集提出的建议。

Il leitmotiv del ‘museo antropologico’ che attraversa il corso “Monografie” può essere individuato anche nell’arte della Buchanan : nelle opere dell’artista coesistono infatti la pesantezza della povertà e la leggerezza del colore, ambivalenze che coesistono nell’anima dell’artista, le cui radici risiedono propriamente nell’antropologia delle origini.

在布坎南的艺术中，我们可以看出贯穿整体的专题论述是“人类学博物馆”：在艺术家的作品中，事实上，贫穷的沉重和色彩的淡薄并存，是艺术家的灵魂中共存着矛盾。 其根源恰好起源于人类学。

KERRY JAMES MARSHALL (1955)

Artista afro-americano Kerry James Marshall è uno dei maggiori esponenti di quella innovativa pronta a recuperare la cultura iconografica delle proprie comunità immettendole nell’arte contemporanea; si avverte la volontà di affermazione di un patrimonio troppo a lungo cancellato, per favorire la dimensione e lo stile delle classi medie ‘bianche’. E’ il caso di provare a fare un raffronto con la pittura di Alex Katz (1927)  in cui si riconosce un possibile rapporto e confronto.

非裔美国人艺术家克里·詹姆斯·马歇尔（Kerry James Marshall）是创新者中最伟大的代表之一，他准备通过将肖像文化引入当代艺术来恢复其社区的文化； 人们希望恢复一种消失已久的遗产，用以支撑“白人”中产阶级的规模和风格。 我们尝试把他与Alex Katz（1927年）的画作进行比较是恰当的，因为在该画中人们认识到了可能的联系和对照。

Osservando le opere dell’artista è immediato notare la volontà di sottolineare, di mettere in evidenza il tratto nero dei volti, rispetto al paesaggio esasperatamente policromo in cui le figure si muovono. I volti scoperti, immediatamente riconoscibili, esaltano la concettualità della sua pittura, attribuita in particolare al colore. 

观察艺术家的作品，我们立即注意到艺术家要强调线条，突出面孔的黑色特征的欲望，而这些人物在绘画中则显得生气勃勃。 特别是由于色彩，我们也立即发现的裸露面孔增强了他的绘画的观念性。

Una delle opere maggiormente interessanti è “ Past Times “ , dipinta nel 1997 e venduta da Sotheby’s nel 2018 alla cifra di 21,1milioni $ . L’artista mette in scena un momento mondano della cultura afroamericana su un isolotto, ricollegabile all’isola della Grande Jatte dipinta da Seurat (1883/1885). 

最有趣的作品之一是《过去的时光》，该作品于1997年作画，并于2018年由苏富比以2110万美元的价格出售。 这位艺术家在一个小岛上讲述了非裔美国人文化的平凡时刻，这个作品与修拉（1883/1885）绘制的isola della Grande Jatte有关联。

I soggetti raffigurati, tutti vestiti di bianco, sono colti in varie pose, nel mezzo di diverse attività. C’è chi si dedica ad attività sportive, golf, cricket o sci nautico, chi semplicemente si riposa sdraiato sull’erba ascoltando buona musica,… 

所描绘的对象全都穿着白色，在各种活动中被摆上各种姿势。有些人从事体育运动，高尔夫，板球或滑水运动，有些人只是躺在草地上听好音乐，……

Ciò che accomuna i soggetti in primo piano è il loro sguardo fisso sull’osservatore- sguardo che sembra penetrare la tela per raggiungerci e coinvolgerci direttamente. La nostra attenzione risulta immediatamente catturata da quegli occhi bianchi, esaltati da un forte contrasto cromatico sul nero della carnagione. 

前景中的对象的共同点是，他们的视线固定在观察者视线上，该视线似乎穿透了画布以到达我们并直接涉及我们。 那些白皙的眼睛立即吸引了我们的注意力，而肤色黑色的强烈色差增强了这种吸引力。

Nel complesso, l’autore mette in scena un momento di convivialità della classe medio; come già anticipato, momenti simili sono già stati raffigurati nella storia dell’arte occidentale (vedi Seurat, Renoir,…), con l’unica differenza che, in questo caso, è una parte della popolazione africana, a concedersi il lusso di un pomeriggio mondano, e non la borghesia ben pensante a cui l’occhio occidentale è invece abituato.

总体而言，作者为中产阶级创造了欢乐的时刻。 正如已经预料到的那样，西方艺术史上已经描绘了类似的时刻（参见苏拉特，雷诺阿等），唯一的区别是，在这种情况下，这些可以享受一个下午的奢华世俗的资产阶级是非洲人口的一部分，而不是西方人习惯的有思想的资产阶级。

Tra le altre opere citate dell’artista, ricordiamo “Could this be love” (1992), “Lo studio del pittore” e “The lost boy”, tutti esempi dell’abilità di Kerry James Marshall di trasmettere, forte e chiaro, l’attaccamento alla cultura afroamericana, anche e soprattutto in tempi tanto difficili, quanto complessi, come i nostri.

在引用艺术家的其他作品中，我们提到了“这可能是爱”（1992年），“画家的工作室”和“迷失的男孩”，这些都是凯里·詹姆斯·马歇尔（Kerry James Marshall）能够大声而清晰地传达对非裔美国人文化依恋的例子，尤其是在像我们这样复杂而艰难的时代中。

QIU SHIHUA (1940)

Qiu Shihua è un pittore cinese, nato a Sichuan, dove ora è attivo. L’interesse principale dell’artista è legato al paesaggio, non come descrizione o resa di un determinato luogo, bensì come memoria del non- luogo. Qiu Shihua infatti ricerca nelle sue opere l’assenza del paesaggio, imprimendo un’immagine sulla tela, come se questa si fosse gradualmente sbiadita. 

邱世华是中国画家，出生于四川，目前活跃于北京。 艺术家的主要兴趣与风景相关，不是对特定地点的描述或渲染，而是作为对非地点的记忆。 实际上，邱世华在他的作品中寻找风景的缺失，在画布上留下一幅图像，又好像它已经逐渐消失了。

Le sue opere, sempre realizzate su ampia scala, sono costantemente caratterizzate da una sensazione di grande leggerezza, lasciata trapelare principalmente dalle scelte a-cromatiche : i grandi paesaggi sono sempre resi attraverso colori tenui, grigi e talvolta marroni poco saturi, che restituiscono l’impressione di una fitta nebbia che aleggia sulle distese. 

他的作品总是大规模创作，始终以轻盈的感觉为特征，主要表现在选择消除色彩上：广大的风景总是通过柔和的，灰色的，有时甚至是稍微饱和的棕色来呈现的，这使作品重现了大片浓雾笼罩盘旋的印象 。

Questo genere di pittura va necessariamente inscritto nell’ambito della culturale tradizionale cinese, caratterizzata da qella profonda esperienza spirituale ispirata al buddismo. L’assenza, il silenzio e il nulla sovrastano i paesaggi di Qiu Shihua, recuperandone le origini : nell’ambito del “ work in regress ”, questi paesaggi conducono l’artista al recupero delle proprie origini e dunque al recupero della filosofia e della cultura cinese.

这种绘画必定要铭刻在中国传统文化的语境中，其特征是受佛教启发的深刻的精神体验。 缺席，寂静和虚无主导着邱世华的风景，恢复了它们的起源：作为“回归工作”的一部分，这些风景将艺术家带回了自己的背景与血统，带回了中国传统的哲学和文化。

KAI  ALTHOFF   (1966)

Kai  Althoff è un artista, performer e musicista tedesco, nato a Colonia e conosciuto non soltanto in Europa, ma a livello mondiale. Alcune tra le sue installazioni si trovano infatti al ,

Approcciandosi all’artista è possibile verificare la copresenza di due forme espressive, apparentemente distinte, ma unite da una volontà narrativa della quotidianità, dell’intimità familiare.

凯·阿尔索夫（Kai Althoff）是德国艺术家，表演者和音乐家，出生于科隆，不仅在欧洲而且在全世界都广为人知。他的一些装置作品也展出在Moma ，New York，在接近艺术家时，有可能验证两种表现形式的共存，这些表现形式明显不同，但能与日常生活的叙事意愿和家庭亲密感结合在一起。

In un primo momento, l’artista tedesco si occupa infatti di collage : lavorando sullo spazio e sulla simultaneità degli elementi sovrapposti, Kai Althoff presta una particolare attenzione al ruolo dei colori.

最初，德国艺术家处理拼贴画：在研究重叠元素的空间和同时性时，凯·阿尔索夫（Kai Althoff）特别注意色彩的作用。

In secondo luogo, è necessario menzionare le installazioni dell’artista , tra cui quella presente al Moma nel 2016. Kai Althoff ricrea infatti un ambiente molto particolare, che richiama tanto un atelier, quanto una sartoria o persino una casa. E’ uno spazio pieno di oggetti disparati (manichini, abiti, tavoli, sedie, giochi in legno, scale,…) che interagiscono tra loro. L’installazione anima dunque lo spazio in cui si trova e lo rende vivo : l’installazione al Moma, dal titolo “ “, è la ri-creazione del mondo dell’artista stesso – mondo in cui siamo invitati ad entrare e partecipare. 

其次，有必要提及艺术家的装置，包括2016年在Moma展出的装置。实际上，凯·阿尔索夫（Kai Althoff）创造了一个非常特殊的环境，让人联想起工作室，裁缝店甚至房屋。 这个空间充满了相互影响的不同物体（假人，衣服，桌子，椅子，木制玩具，楼梯等）。 因此，该装置使它所在的空间充满生气，并使其生动起来：在Moma创作的题为“and then leave me to the common swifts”的装置是艺术家本人世界的重新创造，也是我们被邀请进入并参与其中的世界。

L’installazione dunque diviene qualcosa di molto più complesso, diventando un luogo teatrale e vivo, da cogliere nella sua globalità, nell’insieme di fisicità, materialità e artigianato. 

因此，该装置变得更加复杂，成为一个戏剧性和生动的场所，要从整体上，在物理性，物质性和手工艺方面加以把握。

Potrebbe essere interessante andare a rintracciare nel patrimonio dell’arte moderna e di quella contemporanea autori che si sono confrontati con tematiche comuni, ma con soluzioni estetiche del tutto diverse: quelle concettuali di Fabio Mauri (1926-209)

追溯涉及共同主题的现代和当代艺术家的作品，可能会很有趣，但得到的美学解决方案却完全不同比如：Fabio Mauri，（1926-209)

Ma forse potremmo ripartire dallo Studio di André Breton (1896-1966) oggi ricostruito al Centre Pompidou .

但是，也许我们可以从现在在蓬皮杜中心重建的安德烈·布雷顿工作室（1896-1966）重新开始。

JOHN ARMLEDER  (1948)

John Armleder è un artista svizzero, a cui si deve lo sconfinamento tra esperienze concettuali e installative, recupero della pittura e della scultura ma sempre con intenzioni progettuali.; le relazioni iniziali con le esperienze internazionali promosse dal gruppo Fluxsus negli anni ’60 e ’70 hanno di fatto lasciato una forte traccia nel suo lavoro. Artista di scuola concettuale, John Armleder parte da una forte inclinazione alle installazioni, tornando però, in un periodo più recente, alla pittura.

约翰·阿姆莱德（John Armleder）是一位瑞士艺术家，作品突破观念与实质的体验，恢复绘画与雕塑，但又始终具有谋划的意图。Fluxsus在60年代和70年代提倡的与国际经验的最初关系实际上在他的工作中留下了深刻的痕迹。约翰·阿姆莱德（John Armleder）是一名概念性的学院画家，他从对装置的强烈偏爱出发，但是在最近的一段时间里，他又回到了绘画领域。

L’avvicinamento alla pittura non comporta però l’abbandono o il totale distacco dalla stagione precedente dell’artista : come si può osservare nelle immagini seguenti, l’artista riesce a instaurare un dialogo policromo tra le grandi tele e i rotoli di feltro sul pavimento. Tale operazione è dunque una concettualizzazione della pittura -pittura che risulta, nel caso dell’artista, materica, fisica e di sostanza.

Cogliamo l’occasione per ricordare come il feltro fu introdotto da Joseph Beuys (1921-1986), artista di spicco del Gruppo Fluxsus.

但是，接近绘画并不意味着放弃或完全脱离艺术家的前一个阶段：从下图中可以看出，艺术家设法在大型画布和地板上的毡卷之间建立色彩的对话。因此，此操作是绘画的概念化，但其结果对艺术家而言是物质的，物理的实体。我们借此回想Fluxsus著名艺术家Joseph Beuys（1921-1986）的作品。