Susanna De Angelis Gardel. La dimensione meditativa del volto.

di Andrea B. Del Guercio

Alle spalle di questo volume si pongono due anni di lavoro condotto da Susanna De Angeli Gardel snella realizzazione di un Ciclo di ventidue sculture in bronzo corredato da una serie di elaborazioni grafiche; oggi che l’itinerario espressivo risulta completato, mi pongo con grande interesse di fronte ad una stabilità iconografica e in rapporto con le sue diverse variabili. Lo sguardo a cui fa seguito l’analisi critica  è portato infatti a seguire la successione dei volti e degli sguardi, le soluzioni collegate e le autonomie, l’articolazione tra le diverse scelte espressive, per poi andare a soffermarsi sulla singola opera, su quei particolari che ne fanno un’opera unica. 

Si è trattato di un processo creativo, fino ad allora del tutto inedito per Susanna De Angelis Gardel, nato da una volontà espressiva che ha saputo risolvere tutte le difficoltà e le problematiche di una tecnica antica qual è l’arte del bronzo; non è difficile immaginare quanto complesso e a tratti arduo sia stato il processo di apprendimento e tutte le insidie di una cultura profondamente legata ai tempi dell’esperienza, ma è anche percepibile quanto abbia saputo scoprire e approfondire, pronta a utilizzare le numerose varianti di questo lavoro, ancora profondamente contrassegnato da una grande manualità. 

Esattamente come è stato per gli anni dedicati alla pittura, l’approccio alla scultura nasce da un’esigenza personale di comunicazione visiva diventando un’esperienza totalizzante: “La sua tridimensionalità mi ha affascinato dal primo approccio e la sua “forza” è diventata all’istante la mia. Il piacere di toccare la materia e sentire nelle mie mani il potere di plasmarla, mi dava una sensazione straordinaria.”

A questo impegno Susanna De Angelis Gardel ha dedicato interamente le sue energie, sempre più affascinata dai processi di redazione, con l’obiettivo di conoscere tutti i passaggi che collegano l’immagine del pensiero con la dimensione plastica dell’opera; ogni scultura si dimostra pienamente rispondente ad un percorso creativo in cui anche il condizionamento di alcuni passaggi tecnici, sia stato non solo affrontato e risolto, ma anche utilizzato per arricchire di spessore la propria volontà espressiva e raggiungere il migliore risultato. 

“Kloe” è tra le sculture più luminose grazie alla scelta di una patinatura che si distribuisce, articolandosi, tra improvvisi bagliori e  superfici in ombra. Si tratta di una scelta tecnica che si sviluppa e si afferma pienamente grazie al processo di riduzione dei dati anatomici  favorendo per un verso l’estensione delle superfici nel volto e lungo lo sviluppo del collo ma anche nel movimento prezioso della treccia. Appare esemplare questo frammento ‘aggiunto’ che pur nella sua ridotta dimensione e lateralità, si dimostra fondamentale anche sul piano di quella ricerca della bellezza propria dell’esperienza del pensiero. La scelta di una materia luminosa, molto vicina alla doratura, si rivela pienamente nelle fasi di percezione; il movimento rotatorio della visione intorno al volume  permette, infatti, di scoprire la vitalità della scultura con il suo estendersi ed espandersi nello sviluppo ‘floreale’ delle piccole sedie in uscita e ramificate oltre la plasticità dell’opera.

Attraverso il volume si è in grado di cogliere pienamente l’unità di sistema che racchiude l’intero Ciclo di sculture realizzato da Susanna De Angelis Gardel; si avverte come esso si sia sviluppato e articolato tra mirati ed evidenti punti stabili, quali il volto e la sedia, la testa e il piano di appoggio, il volume geometrico e la sinuosità avvolgente del tubolare, rinnovando sistematicamente le soluzioni iconografiche. Ho partecipato con grande interesse al racconto di ciò che sono stati in questi anni i processi di lavorazione prima di giungere all’attuale risultato, sicuramente di grande valore estetico. In questa recente fase ho potuto affrontare nel loro articolato insieme, tutte le opere perfettamente definite con le soluzioni di appoggio in pietra e in marmo e perfettamente installate nello dimensione rigorosa dello studio di Lugano. 

Ho trovato interessante questo procedere che si racchiude nel valore di una Raccolta di opere diverse, che pure si legano tra di loro, tra rimandi e sviluppi, tra soluzioni che si inseguono rafforzando il messaggio, ed è in questa fase che si inserisce la redazione di un volume monografico. L’edizione ha di fatto l’importante funzione di documentare fotograficamente sia la singola scultura ma anche accompagnare la lettura visiva di questa intera e complessa storia artistica di Susanna De Angelis Gardel. Attraverso questo libro le vediamo perfettamente rispondenti alla volontà creativa da cui sono nate.

” Eirene” è tra le opere in cui si confrontano più elementi iconografico-formali, dando vita ad un vero racconto, ad una comunicazione che pur evitando la descrizione, orienta la percezione verso la personalità del ritratto; l’eleganza prende il sopravvento grazie alla presenza minimale della lastra, affrontata con una patinatura leggermente più chiara e mossa nelle sue calde variazioni. Se i pensieri-sedie sono, rispetto alla maggioranza delle sculture, trattenuti dal copricapo, con volontà di essere ricondotti al tempo intimo della riflessione, mentre la treccia scalettata dalle accensioni dorate, induce e sottolinea la forza dell’immagine, attribuendole uno scatto di personalità.  

Non sceglie la scultura come affermazione e certezza del reale, ma individua un processo di osservazione concentrata sul suo stilema, sulla riduzione dei valori formali per raggiungere l’essenza significativa del soggetto;  si tratta di un processo ‘in togliere’ che ha contrassegnato i processi espressivi dell’arte moderna, coinvolgendo trasversalmente gli autori che ne hanno fatto parte, pur provenendo da sistemi espressivi diversi. Susanna De Angelis Gardel riparte da quel patrimonio che risponde, da Picasso a Brancusi, dall’Espressionismo al Cubismo, per poi essere approfondito dalle seconde avanguardie, a una volontà artistica fondata sul processo di work in regress. Questa indicazione di metodo, suggerita da Claudio Costa negli anni ’70, determinante nel panorama  della stagione attuale, spartiacque nei processi di giudizio estetico, punta a recuperare le origini collettive della storia quale processo di affermazione del presente. 

Anche per l’impegno nella scultura di Susanna De Angelis Gardel vige l’orientamento ed una volontà di astrazione, di rarefazione degli eccessi e dei dettagli, per cogliere l’essenza simbolica della realtà.     

“Daphne” è tra le opere con maggior volontà auto-affermativa, contrassegnata dalla dimensione di massima luminosità; a tutto uno sviluppo proiettato in verticalità tra base-collo e testa-volto, già di perse in grande evidenza policroma grazie alle rifrazioni e al rispecchiamento, corrisponde l’estensione su i due lati orizzontali di due nuove ‘pagine’ di luce, ulteriormente confermate e poste, con nuovi bagliori, al culmine della scultura.  

Tutta la comunicazione suggerisce un’idea di estensione della bellezza, di cui anche il pensiero-sedia appare partecipe; un’esperienza estetica attraversata da quella del piacere che si svela e che si offre aprendo un varco a quel trattenuto silenzio che brevi accenni del volto appena indicano alla percezione.  

Con specifica centralità la testa umana risulta il tema iconografico intorno al quale Susanna De Angelis Gardel ha costantemente lavorato, con soluzioni in cui la volumetria assume un ruolo preminente sull’intero Ciclo, senza comunque escludere di soffermarsi sulla dimensione della superficie piana cosi come avviene per “Artemis”. Si avverte un percorso che ha saputo svilupparsi tra l’immagine singola di un volto e un soffermarsi per coinvolgere nel dialogo diversi soggetti. In questo processo di auto-rinnovamento dell’immagine apportano un grande contributo le soluzioni estetiche frutto delle diverse patinature, dai bronzi più scuri a quelli più chiari fino a rasentare la preziosità dell’oro, alla massima luminosità di una lucidatura a specchio. Ogni opera assume sue caratteristiche iconografiche e cromatiche indipendenti dimostrando di saper costantemente rinnovare il racconto visivo, di voler vivere quest’esperienza artistica con grande partecipazione emozionale.

Osservando la successione delle sculture, sia in un diretto rapporto espositivo ma anche attraverso la documentazione fotografica, non possiamo non riconoscere una mirata relazione con l’idea originale della ritrattistica scultorea dell’antichità classica, di quella volontà dell’arte di concentrare nel ritratto l’esperienza del ricordo, di mantenere in vita la storia biografica di un essere umano. 

Susanna De Angelis Gardel non ha avuto timore di aprire un confronto con l’eredità iconografica testimoniata dalle collezioni di busti romani e dei suoi sviluppi ancora tra rinascimento e neo-classicismo, sapendo collegarsi in maniera mirata con la stagione moderna delle Avanguardie Storiche, tra la pittura e la scultura al disegno; si inserisce in questo straordinario percorso storico, composto di tasselli innovativi, con grande autonomia, grazie ad un rafforzamento dell’esperienza sperimentale, appropriandosi del giusto contributo di forme di sottolineatura aggiuntive che vanno dalla sedia al gallo, dalla trave al copricapo.

Un percorso lungo il quale Susanna De Angelis Gardel ha costantemente trovato il giusto equilibrio tra ironia e severità, nella ricerca della bellezza senza perdere una intensità espressiva.  

“Kalliopi” fa parte di un nucleo di sculture severe in cui l’estensione del pensiero-sedia appare più forte, sicuramente impegnativo nella relazione con i valori propri della testa. La patinatura particolarmente scura distribuita sul volto, indicano quel clima espressivo di grande concentrazione interiore sottolineato dalle due pagine laterali.

Le sedie-pensieri a loro volta si rivelano in grande estensione e dimensione, si impongono con forte maturazione plastica diventando il soggetto primario dell’opera; il pensiero, il turbinio delle idee, l’affermazione della scrittura per la Musa della Poesia, assume una centralità straordinaria apportando calore-colore, estendendo fisicamente l’illuminazione. 

Un secondo passaggio nel processo creativo di Susanna De Angelis Gardel ci suggerisce di sottolineare l’attenzione al volto, quale ulteriore specificazione della centralità della testa; si è trattato di un percorso che le ha permesso di entrare in rapporto ma anche di abbandonare i dettami storici della ritrattistica attraverso quel processo di astrazione, di riduzione dei dati anatomici, di indipendenza dalla personalizzazione del volto.   

Rispondendo all’esperienza contemporanea del work in regress il soggetto riconquista l’essenza universale delle fattezze umane raggiungendo  la dimensione simbolica dell’umanità, allontanando il confronto tra le razze ed estendendo il concetto di auto-riconoscibilità. Pochi tratti, del tutto essenziali in formale e lineare continuità tra l’orizzontalità e la verticalità del segno solo leggermente ed elegantemente aggettante, inducono ad un profondo silenzio, ad uno stato di concentrazione e di intima riflessione; azzerando le labbra l’artista sembra voler rinunciare alla parola, all’estensione delle idee attraverso il suono,  per fornire solo ed esclusivamente la forza comunicativa del pensiero.

“Karékla” è la scultura che, pur collegandosi strettamente al Ciclo di opere, trova una sua indipendenza strutturale e quindi un’inedita estetica. Sono diversi i dati e i valori che la contrassegnano permettendole di inserire e di apportare un ulteriore contributo al racconto visivo, frutto della curiosità e della sperimentazione artistica di Susanna De Angelis Gardel: un processo espressivo che punta a richiamare l’attenzione sulla valenza dell’opera, in questo caso, contrassegnata dalla presenza simbolica del gallo “della rinascita interiore, del risveglio”: perfetto frutto di un processo analitico che ‘disegna’ la scultura, “Karékla” fornisce l’affermazione indipendente all’iconografia della sedia quale icona del pensiero; la sedia-pensiero ha in questo caso ottenuto dall’artista il peso e la dimensione per una completa affermazione, interagendo con carattere sull’habitat in cui si installa. 

Il significato simbolico della sedia, fortemente presente in questo Ciclo di opere di Susanna De Angelis Gardel, presenta un alto numero di variabili, collegato ad ambiti diversi che vanno dal sogno alle proiezioni in ambito sociale nelle relazioni con il potere per poi riferirsi all’ampia sfera dell’esperienza culturale, filosofica e letteraria;  valori che possono anche risultare in contraddizione tra di loro, come gran parte del patrimonio iconografico reso indipendente nella stagione moderna e contemporanea rispetto ai rigidi dettami delle culture antiche. 

Mi sembra in ogni caso interessante inserire una breve riflessione nella specificità iconografica della “sedia”  di un oggetto dettato dalla marcata funzione dello star fermo ma non del riposo, di una realtà funzionale al pensiero, al lavoro delle idee, alla concentrazione in posizione di sosta; si osservi in particolar modo come l’immagine della sedia vuota sia stata introdotta nella stagione moderna dell’arte, mentre nelle epoche antiche risultava sostanzialmente utilizzata sia nel contesto di un’iconografia religiosa che laica, in questo caso riferita in particolare alla ritrattistica. Esemplare appare in questo clima il riferimento alla condizione di riflessione, di prostrazione penitente indotta dal Caravaggio nella ‘Maddalena’ del 1594.

Significativa è la svolta e il rinnovamento nella definizione iconografica della ‘sedia vuota’, oggi al centro degli interessi di Susanna De Angelis Gardel, apportata da Vincent van Gogh con due quadri del 1888 indipendentemente riferiti a se stesso e all’amico Paul Gauguin.

Si avverte una trasformazione in senso concettuale dell’oggetto quotidiano in grado di emblematizzare l’amicizia e specificare l’esperienza del dialogo serrato intercorso tra i due amici, ma anche il valore dell’assenza e dell’abbandono; un processo che riconosce alla sedia ormai vuota, per contaminazione  dei due corpi, sia il ruolo di autoritratto che di ritratto: «Alcuni giorni prima della nostra separazione, ho cercato di dipingere il suo posto vuoto. È uno studio della sua poltrona di legno bruno-rossiccio, con il sedile in paglia verdastra, e – al posto dell’assente – una candela accesa e alcuni romanzi moderni»

Il peso di questa mirata rivoluzione simbolica attraversa perfettamente la cultura moderna come documenta una lunga serie di opere di diversi autori, per giungere nella stagione contemporanea alla soluzione concettuale per eccellenza del 1965  di Joseph Kosuth.

Si inserisce perfettamente all’interno di questo percorso, l’idea plastico-simbolica di Susanna De Angelis Gardel affrontata sul piano di una rigorosa riduzione formale, frutto di quel processo di astrazione già osservato nel volto umano. 

L’obiettivo per l’artista non è più quello di descrivere, ma di porre in evidenza l’apporto essenziale dell’immagine iconografica, suggerire emozioni al fluire nostro pensiero, fare in modo che appartenga ad ogni uno di noi, che sia riconosciuta e vissuta collettivamente: “Ho raffigurato questi pensieri, che sono forme di energia, con delle piccole sedie che si rincorrono e si aggrovigliano creando strane forme dentro e fuori la nostra mente. A volte, noi vorremmo che questo meccanismo che ci imprigiona si allentasse e che i nostri pensieri si acquietassero, si “ sedessero” lasciando spazio ad un sentimento di pace. La sedia è l’oggetto che maggiormente evoca il senso del fermarsi, del riposare, dello stare”.

La rigorosa documentazione fotografica che accompagna nella monografia la nascita di ogni singola opera, punta a ‘raccontare’ il lavoro come processo creativo, rivelando al lettore per immagini il senso del fare scultura; la mirata ed essenziale registrazione dedicata alle lunghe ore trascorse in fonderia, tra le diverse mansioni che tutte insieme conducono al risultato finale, si rivelano una importante forma di contributo, alla conoscenza di quanto si nasconde e si pone alla base del lavoro dell’arte; un passaggio che aiuta il lettore delle immagini ad entrare in sintonia con i contenuti del messaggio espressivo dell’artista. Non si tratta di un processo meccanico e passivo, schematicamente compositivo, tecnicamente ripetitivo, ma di uno stare accanto alla nascita dell’opera sapendo di poter prende possesso, anche da un semplice punto di saldatura come dalla definitiva scelta di una patina del bronzo, di una  serie di preziose idee per  la sua affermazione. Ogni particolare è frutto infatti di un perfetto equilibrio tra l’idea della forma e la soluzione tangibile, tra il pensiero simbolico e la contaminazione iconografica. 

Lungo questo percorso fatto di tentativi e di scoperte, si colloca quella lunga ed anche tormentata fase dedicata ad uno dei ‘frammenti’ più importanti nel lavoro di Susanna De Angelis Gardel; la presenza della sedia tanto insistentemente presente come elemento caratterizzante di questo Ciclo, ha infatti alle spalle tutti i tentativi per trovare la giusta dimensione,  l’individuazione degli elementi che la definiscono e a cui fa seguito una successione aggregante; alla scelta dell’icona quale rappresentatività di un pensiero e della sua traduzione estetico-visiva, ha fatto seguito un lungo processo di analisi delle soluzioni, sia del singolo articolo che del racconto nato dall’accumulo. 

Molto simile ai processi analitici della scienza, il lavoro dell’arte cosi come è stato condotto da Susanna De Angelis Gardel in questi anni, ha richiesto prove e contro-prove, soluzioni che sembrano raggiunte per poi essere rimesse in discussione dando lungo a nuovi tentativi; nello scorrere dei mesi posso ‘raccontare’ che dietro quella che oggi vediamo un’opera definita, in realtà si trovino, attraverso trasformazioni e ripensamenti, un alto numero di  varianti, spesso comunque interessanti, ma mai del tutto in grado di soddisfare l’estremo rigore con cui opera da sempre l’artista.  

“Anthia e Aphia” è il frutto di un incontro tra due sculture, tra la luce e il buio, tra la curva e l’angolo. Un evento raro nel Ciclo di sculture appare questo passaggio compositivo fondato sull’incontro silenzioso di due volti, quasi non ‘dialoganti’ se non attraverso lo sviluppo del pensiero, nell’incontro delle idee e delle emozioni che le piccole sedie rivelano. Nelle due distinte immagini, la patinatura oscura si confronta con l’estensione ampia della luce, cosi che in una tutto si conclude nelle sostanza opaca mentre nell’altra la lucentezza allarga le relazioni con l’esterno, si dilata per ritornare al confronto e all’intreccio. Anche il piano di appoggio, accuratamente studiato ed elaborato, mosso da una leggera fisicità, sostiene e rafforza la ricerca dell’intersecazione gentile tra le emozioni, che la leggerezza del tratto psicologico dei volti suggerisce.

Appare importante ricordare anche in questa sede la stagione dedicata alla pittura, a cui Susanna De Angelis Gardel è approdata inaspettatamente nel 2006; si è trattato di un periodo lungo e difficile, ma che le ha insegnato i tempi lunghi di una descrizione compositiva nata dalle relazioni con il documento fotografico, frutto di mirati reportage condotti sulle realtà del pianeta, dal mondo animale a quello umano degli umili. Si è trattato di un percorso che negli anni si è andato raffinando, accrescendo la dimensione tecnico-narrativa, per raggiungere un equilibrio tra incidenza e dissolvenza, tra la forza del dettaglio e l’inafferrabilità del senso profondo di uno sguardo e di un gesto:  “I soggetti mi sono stati ispirati da persone incontrate per strada come il vecchio guatemalteco o sedute per terra come il mendicante indiano o la bambina dell’Honduras con la sua cesta o il piccolo cinese dello Yunnan che, mezzo nudo, mangia da solo seduto sul marciapiede. Queste persone hanno attirato la mia attenzione e mi hanno lasciato un segno”.

Quell’esperienza lungamente affrontata con grande rigore e forte senso di responsabilità etica, è significativamente presente anche in questo ciclo di opere, confermando una cultura personale dell’arte. La stagione della pittura, vissuta  con grande passione, come quella attuale della scultura, rivela come dietro alla definizione artistica di un’immagine, Susanna De Angelis Gardel abbia condotto un percorso di ricerca all’interno dell’intimità del pensiero visivo; appare cioè evidente quanto l’azione creativa si sia posto l’obiettivo di rispettare sia la dimensione del segreto di un volto, l’estensione emozionale di uno sguardo, ma anche suggerire al fruitore di percorrere e di riconoscere l’esperienza della profondità. Susanna De Angelis Gardel si è con il suo lavoro interessata alla profondità che sta dietro ed all’interno della realtà; una realtà che è assunta senza strappo ne denuncia, che viene affrontata dando inizio di un’

avventura verso quella dimensione che l’artista non svela, che non intende interpretare ne descrivere, ma solo suggerirne la lettura.

“Eudokia” è una scultura in grado di mettere in evidenza come l’artista sia riuscita a trovare le variabili linguistiche di uno stesso tema ottenendo costantemente grande qualità. Sicuramente l’essere entrata in profondità nella dimensione volumetrica, arricchita da un’intensa acquisizione dei processi tecnici, gli permette di essere operativa con creatività tra le soluzioni che il bronzo, con le sue patinature, offre alla creatività. La bicromia tra luminosità e oscurità,  le relazioni tra la verticalità e l’orizzontalità forniscono i dati su i quali “Eudokia” si rivela un’opera estremamente organica e cosi molto intensa alla fruizione.

Esiste anche un collegamento tematico tra la precedente stagione della pittura con questa dedicata alla scultura, dove in entrambi i Cicli espressivi si avverte la centralità del volto quale fonte dell’espressione. 

I caratteri che definiscono il volto, potremmo dire anche e non solo umano, avevano caratterizzato infatti la fase dell’esperienza pittorica dopo quella dedicata al mondo animale; lungo quei due distinti percorsi, spesso di grandi dimensioni, la fotografia era stata la ‘ severa compagna’ di una volontà documentativa, andata nel tempo, grazie alla presenza del colore e del segno, ad approfondire sempre di più la sfera dell’interiorità. L’obiettivo era quello di cercare quei contenuti che i passaggi di redazione forniscono in maniera del tutto simile ad un processo di meditazione. 

Lo sguardo, che fosse di un elefante come di un anziano, vedeva il progressivo attenuarsi dei conflitti cromatici del reale, attraverso la distribuzione di una luce diffusa in grado di esplicitare lo spessore interiore del soggetto.

Se l’orientamento espressivo sostanzialmente rimane la ricerca della dimensione profonda e dell’interiorità, valori su cui si basa l’idea di realizzare l’ampio ciclo di sculture, avvertiamo per altro verso il chiaro distacco dal processo descrittivo; si osserva che ogni scultura, determinata dalla costante presenza del volto femminile è il frutto di una volontà  creativa tesa al superamento del dato di realtà. In rapporto con la costante centralità iconografica della testa, si pone e si interseca, con valore di estensione del pensiero, la presenza di un frammento geometrico riconducibile, per riduzione formale, alla presenza della sedia, a sua volta insistentemente presente nella maggioranza delle opere.

I due dati vengono affrontati senza volontà narrativa, cosi che il volto e la sedia arrivano a introdurci nell’ambito incontaminato dell’emozione interiore, con la volontà di perdere punti di appoggio, lasciando dati certi, inoltrando lo sguardo dentro i confini estesi di nuove geografie culturali.